sont composés de 52 pièces pour piano, écrites de 1945 à 1948. Elles dépeignent les états d’âme de Pierre Henry, le dimanche, sur une année entière. Les 19 premières pièces ont été déposées à la Sacem ; les traces des 33 autres apparaissent dans les cahiers d’ébauches de cette période. Un point de bascule est particulièrement sensible à partir du 19e Dimanche, dans lequel Pierre Henry s’émancipe progressivement de la notation graphique : les intentions pour les improvisations sont notées au fil de ces cahiers, mais de moins en moins d’indications rythmiques et de hauteurs sont visibles.
]]> explique-t-il dans ses "Entretiens bucoliques et itinérants" avec Isabelle Warnier, n° 12, avril 2014, Paris, Archives Pierre Henry, p. 16.]]> A contrario, les traces d’une éducation musicale plus traditionnelle affleurent dans les premières pièces. L’ombre d’une basse d’Alberti se dessine dans le 8e Dimanche, le 13e réinterprète le style choral, tandis que la forme menuet se devine par transparence dans le 17e. Ces pièces, qui empruntent aux réflexes d’écriture classique, dialoguent pourtant avec d’autres qui sont écrites sans carrure et avec des réservoirs d’improvisation (10e Dimanche) ou qui font entendre d’innovants motifs harmoniques (12e Dimanche), dont les temps forts sans cesse déplacés génèrent des rythmes non rétrogradables, chers à Olivier Messiaen, son professeur au Conservatoire national supérieur de musique de Paris.]]> 69 séquences très courtes destinées à être jouées sur un piano préparé et dont certaines peuvent être répétées ad libitum. Ces séquences sont composées dans un style libre, mais les rythmes et les dynamiques sont très précisément indiqués. En revanche, aucune indication pour la préparation du piano n'est donnée. Ces Incidents ont servi de réservoir de sons à la composition d’œuvres futures.]]> Série de 4 émissions diffusées toute la journée du 16 novembre 1983 sur France Culture.]]> Le "Journal de mes sons" est dit par Florence Delay.
Présentation par Brigitte Delannoy et Pierre Henry.
Au cours de cette journée Pierre Henry, vous avez pu reconnaitre les musiques de :
Artman, Bach, Berlioz, Roussel, Schaeffer, Wagner et bien d'autres.
Vous avez peut-être reconnu aussi les voix de :
François Bayle, Maurice Béjart, Roger Blin, Albert Camus, Maria Casarès, Alain Cuny, Francois Dufrêne, Maurice Fleuret, Dominique Guihard, Ivry Gitlis, Béatrice Henry, Olivier Messiaen, Denise Péron, Pierre Schaeffer, Michèle Seigneuret, Jean Toscan et le chat Mortimer.
Pierre Henry a découpé dans :
Adhérences pour Daphné, Orphée 53, Maléfices, Haut-Voltage, Symphonie pour un homme seul, Le Voyage, Le Voile d’Orphée, Fragments pour Artaud, Musique sans titre, Kyldex, Futuristie, Instantané/Simultané, Paradis perdu, Pierres réfléchies, Deuxième symphonie, Parcours-Cosmogonie, Variations pour une porte et un soupir, Apocalypse de Jean, Messe de Liverpool, Dieu, Gymkhana, Noces chymiques, Enivrez-vous.

Générique de fin des émissions, tapuscrit, 1983, Archives Pierre Henry.]]> 11h-12h
La vie auditive.
Les années 50.]]> 13h30-14h
Radiophonie.]]> 17h32-18h30
L'année d'Orphée.
Babel ou le langage des sons]]> 20h-22h30
Matériaux et manipulations.
Espace-temps.
Dieu ou diable]]> DUALITÉ

]]> Ballet de Maurice Béjart chorégraphié et mis en scène d’après la composition sonore du film "Astrologie ou Le Miroir de la vie" [1952] de Jean Grémillon.

]]> Maurice Béjart, Un instant dans la vie d'autrui. Mémoires. Paris, Flammarion 1979, p.87]]> Musique du film réalisé par Jacques Veynat sur les sculptures de Claude Viseux mixée directement à I’image.

]]> Facies comme ma meilleure musique de film. Au début des années soixante, grâce aux images des sculptures de Claude Viseux filmées par Jacques Veynat, représentant force langoustes, crabes, crevettes amalgamés au fer à souder, j'ai pu appréhender, à nouveau, la musique concrète. C'était bien avant la création du Voyage, une exploration de sons électroniques inouïs. Une électronique spontanée et très prémonitoire. Cette richesse de découvertes sera la base des électro-sons de l'Apocalypse ou de la Messe pour le temps présent.
Pierre Henry, note de programme, concert du 6 août 2008 à 18h30, série "Une heure chez Pierre Henry]]> Composition sonore pour le spectacle en 8 tableaux écrit et mis en scène par Pierre Seghers, avec François Maistre, Michael Lonsdale et Jean-Noël Sissia, du 4 au 6 mai 1983.]]> Ensemble de 2 pièces pour piano écrites dans un style libre. La première est très contrastée, à la fois dans les dynamiques (les nuances sont très marquées) et dans la dialectique qui s’instaure au fil de la pièce entre les 2 pianos. Aux arabesques décousues du début répond un motif au rythme chaloupé, qui fait son apparition dans les graves. La pièce s’achève par une phrase mélodique à l’unisson, subitement rompue par un énigmatique cluster dans les graves. La seconde pièce est d’une toute autre nature. Si elle est toujours écrite dans un style libre, elle installe une atmosphère mélancolique et contemplative faite d’arpèges aux rythmes irréguliers. Progressivement, le tissu mélodique monte en complexité pour finalement se rompre et faire apparaître des figures rythmiques qui se développent aux antipodes du clavier : ces motifs répétés l’emporteront sur tout le reste.]]> Mélodie sur le poème éponyme de René Char pour alto, piano, wood block, tambour basque, cymbale grave et vibraphone. Cette pièce, écrite dans un style libre, emploie la technique du parlé-chanté. Ici, Pierre Henry s’inspire de la composition continue de certains lieder allemands : l’arrangement, tout en finesse et dynamique, accompagne au plus près les images engendrées par le poème.]]> René Char, « L’Amour ».]]> Dans ces 4 pièces, Pierre Henry s’émancipe de toute règle d’écriture. Ici, aucune indication de tempo, de mesure ou de pôles d’attraction harmoniques. La partition devient la trace d’une improvisation, dont l’interprétation est ouverte. La 1re Litanie est très brève : la ligne mélodique, à peine dessinée, s’abîme presqu’instantanément dans les graves du clavier. La 2e fait apparaître des notes à peine esquissées : point de rencontre possible d’une dynamique harmonique laissée à l’arbitrage de l’interprète. Pourtant, si les carrures ont disparu, l’écriture structure les entrelacs mélodiques (fin de la 2e Litanie), jusqu’à un certain point. Le style choral de la 3e fait, par exemple, disparaître les queues des notes, et donc toute indication rythmique. Enfin, la dernière est plus écrite, mais toujours non mesurée. Les temps forts sont systématiquement masqués par un jeu d’arpèges complexes et irréguliers. Ces Quatre litanies n’ont finalement qu’un seul point fixe : la note fa, jouée seule et tenue ad libitum en ouverture et en clôture de chaque séquence.]]> En 1985 pour le Théâtre national de l'Opéra de Paris, Maurice Béjart a chorégraphié un pas de deux sur 8 séquences de Mouvement-Rythme-Etude [1970].]]> Maurice Béjart, note de programme de la création, 1985.]]> 1. Exercice 1 (3'28)
2. Pureté (3'18)
3. Danse (2'07)
4. Premier adagio (4'42)
5. Transition 1 (0'32)
6. Deuxième adagio (2'05)
7. Transition 2 (0'35)
8. Valse (3'02)]]> Révision, vingt-deux ans après, d'une œuvre clé du répertoire électroacoustique
Le musicien " concret ", celui qui travaille sur des sons enregistrés, stockés, puis coupés-collés, a d'évidentes parentés avec le cinéaste. Compositeur " concret " (le premier à l'avoir été avec Pierre Schaeffer), Pierre Henry a travaillé pour le cinéma (musiques pour Grémillon, pour la publicité et, tout récemment, pour Berlin, symphonie d'une grande ville, de Walter Ruttmann (1). Il est un assidu des salles obscures : de Bresson à Spielberg, l'image montée l'inspire.
C'est peut-être pour cela que Pierre Henry offre aujourd'hui, sur le modèle des " versions longues " du Grand bleu ou de Lawrence d'Arabie, la " version grande " d'une de ses œuvres anciennes, cette Apocalypse de Jean dont la gestation commença dès 1960, dont la création, lors d'une soirée-marathon, reste inscrite dans les souvenirs de 1968, dont la version originale a été fixée sur disques numériques (2), et dont la version définitive a été créée le 18 décembre à l'Auditorium des Halles, commande du Festival d'art sacré.
Un saut qualitatif
La ressemblance avec le cinéma s'arrête là. Car cette " grande" Apocalypse n'a pas été fabriquée avec des chutes recyclées ; elle n'a rien d'un travail de restauration ; c'est bien de révision qu'il s'agit : les séquences ajoutées _ certain Passage de grenouilles particulièrement coassant ; un beau portrait sonore de Jérusalem _ ont été composées cette année. Toute la fin du récit biblique, à partir de l'Agneau, a d'autre part été remaniée. Les visions horrifiées, pétrifiées, grotesques, grinçantes, qui autrefois dominaient dans l'Apocalypse, se trouvent ainsi contrebalancées désormais par l'espoir de tendresse et de vie que constitue l'ultime Fleuve d'eau vive. Dans son minutage global, l’œuvre reste inchangée.
Par son nouveau dispositif scénique, elle subit néanmoins un saut qualitatif. La prophétie de Jean est mise, maintenant comme autrefois, dans la bouche d'un récitant. Mais, entièrement enregistrée dans la version de 1968, la voix de Jean Négroni avait alors deux fonctions. D'une part, elle énumérait, sur le ton de la narration, le titre des séquences, la nature des fléaux promis par le prophète ; nimbée d'écho, amplifiée, mêlée aux sons concrets, elle servait d'autre part d'élément dramatique en soi, de parole musicalisée.
La « grande » Apocalypse en rajoute de ce côté. Elle fait s'affronter le Négroni enregistré il y a vingt-deux ans et le Négroni d'aujourd'hui, en scène, mêlant au micro sa voix de récitant survivant à ses voix enregistrées d'antan. Changés en monstrueuses marionnettes, sous les voiles noirs des Bread and Puppett, les haut-parleurs participent à leur façon - immobile, mais pas muette - à cette théâtralisation.
Monstrueuses marionnettes
La Grande, l'Apocalypse impose donc désormais ses lumières, ses images, son personnage principal. On pouvait la préférer «petite» : pure musique, théâtre pour l'esprit. Moins grandiloquente, moins équilibrée, moins spectaculaire, moins écrasée par la présence du verbe.
Rappelons que le musicien s'était amusé, dans un Livre des morts égyptien, créé l'an dernier, à composer « à l'ancienne» sur du matériel ultramoderne. Réalisé dans les studios de !'IRCAM, enregistré dans la foulée en toute fidélité numérique, disponible désormais sur CD (3), ce Livre magnifique pourrait être l'accompagnement désigné pour l'exposition « Mémoire d’Égypte » présentée actuellement à la Bibliothèque nationale ( dont le fond sonore laisse à désirer). Distribuée en sept «moments», l’œuvre reflète parfaitement, dans une accumulation de sons machiniques et industriels, le passage par étapes forcées de la mort à la vie éternelle, tel qu'on le voit représenté sur les papyrus. Pierre Henry s'y souvient opportunément de son lointain passé de percussionniste, des rythmes jazzés qu'il aimait dans les années 50, du piano préparé sur lequel il improvisait : d'un passé en partie antérieur à ses premières productions de musicien concret (4).
ANNE REY

(1) On reverra ce film muet de 1927, assorti de sa musique originale pour deux pianos et deux percussions (signée Edmund Meisel) les 30 et 31 janvier à !'Auditorium du Louvre, dans le cadre d'une série « Cinéma muet en concert».
(2) L 'Apocalypse de Jean, version originale : deux disques compacts Philips.
(3) Le Livre des morts égyptien : un CD Mantra-Votre musique.
(4) A paraître en janvier : Mes années 50, soit les œuvres composées de l'après-guerre à 1960, aux trois quarts inédites (trois CD Mantra-Votre musique).]]> Création musicale pour l'opéra luminographique Nexo-Corzon de Jorge Orta, lors du Festival du Centre historique de la Ville de Mexico devant des milliers de personnes.]]> 1. Lévitation (5'56)
2. Danse des migrations (29'15)
3. Erotika (6'29)
4. Grand vivaldien (5'21)
5. La dérive des continents (9'55)]]> L’œuvre est une version courte et mixée du Perpetuum [1979], création musicale et visuelle de Pierre Henry et Thierry Vincens présentée comme « un espace de fascination pour transformation d’images et rencontres sonores en perpétuelle évolution ».]]> Cette oeuvre éprouve un procédé novateur pour Pierre Henry : la superposition et la juxtaposition de deux oeuvres initialement composées de manière parfaitement autonomes.

]]> "L'idée de superposer La Noire à soixante à Granulométrie est née pour les besoins d'un disque en projet consacré à La Noire à soixante : quelle œuvre mettre sur l'autre face? C'est ainsi que Pierre Henry s'est amusé à superposer les deux œuvres, mais pas d'une manière aléatoire : Granulométrie, qui est une œuvre plus découpée en neuf sections « calées » par rapport à La Noire à soixante, qui défile en continuité, et chaque section part sur des points de synchronisation judicieusement choisis, après lesquels elle se déroule librement, en laissant au hasard le soin de créer des relations et des événements entre les deux musiques. Comme elles sont toutes les deux très montées et très animées, le rythme de ces chocs, de ces interréactions est serré. La répartition spatiale des œuvres sur les deux pistes est variée entre les neuf « séquences » comme l'auditeur l'entendra nettement s'il écoute au casque plutôt que par haut-parleur. Dans la première et la troisième sections, La Noire et la voix sont ensemble au centre ; dans la seconde, La Noire est à gauche et la voix au centre ; dans le début de la quatrième section, c'est l'inverse, et ainsi de suite : plus l’œuvre avance, plus les deux musiques voyagent sur les deux pistes et s'entrelacent. La Noire à soixante.+ Granulométrie est une des pièces les plus directement spectaculaires de Pierre Henry. Son importance « historique » est de préfigurer les mélanges d' œuvres systématiques auxquels Pierre Henry se livrera dans son Parcours-Cosmogonie de 1976."
Michel Chion Pierre Henry [1980], 2003, p. 115-116.

]]> Cette nouvelle version de concert a été élaborée pour la série « Pierre Henry, 40 ans de musiques en 15 concerts » donnée au musée d’Art moderne de Paris, à partir de la bande originale du spectacle créé en 1963.

]]> Film du spectacle éponyme destiné à la télévision, tourné en dix jours sur la scène du théâtre Hébertot.]]> Adaptation : Jean-Claude Carrière.
Production : Micheline Rozan. Albina Film (Paris) et RTB (Bruxelles).
Avec Maria Casarès, Jean Babilée, Valérie Camille, Monique Chaumette, Ursula Kubler, Laura Proença, Mathé Souverbie, Kenzo Emoto.]]> Le film promeut la conception révolutionnaire de la mode de Paco Rabanne.]]> Action dramatique de Pierre Henry et Georges Dobbelaere, d'une durée de 2 heures, réunissant sur scène 400 participants scouts. Pierre Saragoussi pour le mime, Jean Buffort pour la danse, André Vailly pour les photos.]]> Pierre Henry expérimente les principes de la répétition et de la variation à partir d’un son trouvé par expérimentation. La pièce, d’une durée inférieure à 5 minutes, est d’une intensité rare : elle consiste en un crescendo continu où le son procède d’un effet d’accumulation, une illusion sonore qui le transpose simultanément dans les aigus et dans les graves.

]]> Alors que les autres ont tendance à assimiler « le son » à la note, mes sons ont tous une durée propre. Certains peuvent durer des heures. Une pièce comme Spirale est bel et bien filée d’un seul tenant. C’est un son unique qui évolue sans cesse grâce à un procédé de génération-régénération électromagnétique à transformation continue. Spirale, réalisée en 1954, est contemporain de Spatiodynamisme. J’étais encore à la Radio. J’avais trouvé un branchement qui autogénérait un type de son proche des synthétiseurs d’aujourd’hui. Modulé à la main, presque insensiblement, il évoluait et se développait indéfiniment. Mais j’ai malheureusement stoppé cette Spirale au bout de trois minutes. Si j’avais continué plus longtemps, j’aurais été l’ancêtre de la musique répétitive.
Pierre Henry, Journal de mes sons, 2004, p. 33-34.

]]> "Envol" est la version resserrée et définitive de "Double Envol" (27’36).]]> Pierre Henry, note de programme de la création, 2010.]]> Ce titre d’émission radiophonique choisi par Pierre Schaeffer est, en réalité, une adaptation, non pas du final d’Orphée 53 (1953), mais de l’œuvre entière. La musique est fondée sur celle que Pierre Henry avait composée pour la création de l’opéra concret à Donaueschingen en 1953. Le livret d'Orphée 53 est ici complètement remanié : Pierre Schaeffer ajoute un personnage, réécrit certaines scènes et en réorganise d'autres : il propulse l'action dans le monde contemporain. L'auditeur plonge dans les doutes d'Orphée en proie à sa folie lorsqu'il dialogue avec son médecin et avec les voix qu'il est le seul à entendre.]]> 2. Générique
3. 1er récitatif d'Orphée
4. Les monstres
5. Chanson d'Eurydice
6. Premier Air d'Orphée
7. Premier songe
8. Les grillons
9. L'Amour aveugle
10. Bandeau et lyre
11. Liturgie
12. Duo d'Amour
13. Rupture
14. Le voile]]> A la demande de Pierre Schaeffer, Pierre Henry épure "Orphée 53" pour faire contenir l’œuvre en 60 minutes. Ce montage inédit était vraisemblablement destiné à la gravure d’un disque qui n’a jamais paru.]]> 2. Mille flammes
3. Récitatif et Monstres (nouvelle musique)
4. La lyre
5. Débats
6. Les grillons (coupés)
7. Duo contraire
8. Récitatif - Le Bandeau - Rencontre - Liturgie
9. Dialogue d'Orphée et d'Eurydice - Rupture
10. Le voile (coupures)]]> Cantate dramatique originellement composée pour le final d’Orphée 53 [1953], cette version resserrée est une œuvre de concert indépendante qui fut programmée de nombreuses fois.

]]> « Indépendamment de toute prétention esthétique, le Voile d’Orphée qu'on va entendre à présent, représente, pour la Musique Concrète, une étape importante ; et, pour la première fois peut être, depuis cinq années de recherches, Pierre Henry qui est l'auteur et l'exécutant tout ensemble a pu réunir l'équivalent d'un orchestre, en termes de musique concrète, un nombre restreint de matières sonores enregistrées sur des boucles et dont le phonogène chromatique fait varier le rythme et la tessiture, que les filtres électroacoustiques timbrent vers le grave ou l'aigu. Chacune des boucles correspondant, en somme, à un instrument ou à un groupe d'instruments d'orchestre qui ajoute sa partie indépendante. Ces instruments imaginaires sont réunis ensuite dans un orchestre constitué de plusieurs bandes et la baguette de l'exécutant ou du chef n'est autre qu'un magnétophone à 3 pistes qui donne à l'ensemble de ces parties un synchronisme rigoureux. [...] Aux tenues et incidents rythmiques violents d'un « Prologue » d'orchestration réaliste (déchirement du Voile), succède la « Liturgie » proprement dite. Un mouvement lent, sorte d'Andante lyrique incorpore des éléments de voix chantées, où une pédale rythmique spécifiquement concrète sert de socle sonore. Intervient alors au point culminant, une voix, la voix du destin dans un texte grec emprunté à l'Hymne orphique. Cette voix, après son affirmation centrale, se décompose à son tour et subit, comme le chœur de la deuxième partie toutes les transformations concrètes : écho, répétition, canon, inversion, accélération, filtrage. Ce final, se présente sous une forme concertante et plus dramatique : les déclamations viennent dialoguer avec une partie instrumentale où le clavecin est en soliste. »
Pierre Schaeffer, note de programme de la création, 1954, Archives du GRM. Archives GRM, Fonds Geslin.

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